Catégorie : Art

Une brève Histoire de l’art

janvier 29th, 2022

Qu’est-ce que l’art ? Nul besoin de tourner autour du pot : une définition unanime n’existe pas. Il y a autant de réponses à cette question qu’il y a d’individus. «Quel chef d’œuvre !», « Que c’est laid ! », « Comment peut-on appeler ça de l’art ? », « Cette peinture est truffée de symboles », « C’était un génie ! ». Des réactions épidermiques aux analyses académiques, l’art nous touche à des degrés différents parce que nous avons, chacun, une histoire singulière remplie d’expériences uniques, de faits de vie individuels et de ressentis. Mettez cent personnes devant La Grande Vague de Hokusai et vous aurez cent individualités qui réagissent différemment à l’œuvre. Écrire cela est une banalité qui a son importance quand il s’agit d’art puisque nos différences montrent à quel point il n’y a pas qu’une seule et unique porte d’entrée pour regarder une œuvre. 😉

L’article qui suit n’a pas la prétention d’égaler celui de spécialistes mais de donner une vue généraliste depuis les débuts de l’art jusqu’à nos jours. Il m’a fallu faire des choix quant au contenu, vous ne retrouverez pas Léonard de Vinci à qui j’avais déjà dédié un article ni de Jérôme Bosch ou Rembrandt mais d’autres artistes qui ont aussi influencé leur époque et qui continuent de trouver un certain écho de nos jours.

L’art préhistorique

Il faut remonter le temps afin de trouver les premières traces d’art préhistorique. La plus ancienne serait la représentation d’une scène de chasse sur la paroi d’une grotte sur l’île des Célèbes (Indonésie). D’après les techniques de datation, cette peinture rupestre aurait été réalisée il y a 44 000 ans. Même si des milliers d’années ont altéré cette œuvre, on peut déjà distinguer clairement des mains sur la gauche ainsi que des cochons sauvages.

Première œuvre d’art pictural sur l’île de Sulawesi (Indonésie)

Un autre exemple d’art préhistorique se trouve en France. Il s’agit des peintures de la grotte de Lascaux. Elles auraient été réalisées Il y a plus de 21 000 ans et montrent à quel point l’Homme de l’époque glaciaire avait déjà un sens aigu de la représentation puisque les animaux que l’on peut voir à Lascaux sont non seulement facilement reconnaissables mais certains sont aussi en couleur. Alors pourquoi les hommes ont-ils dessiné des animaux sur les parfois? L’hypothèse la plus vraisemblable est que les chasseurs de cette époque conférait un pouvoir magique à la peinture. Dessiner leurs proies dans un endroit sacré leur permettait d’attirer, du moins le croyaient-ils, la chance et l’abondance quand ils devaient chasser. La symbolique de l’animal chez certains peuples primitifs est d’autant plus forte qu’ils pensaient que tel ou tel animal était une personnification fabuleuse de leur propre tribu. Cela explique nombre d’évocations animalières que l’on retrouve dans les masques, les danses et autres rites. Nous aurions tort d’être condescendant envers ces peuples qui ont tout simplement inventé le symbole. Au fond, qu’y a-t-il de tellement différent entre une peinture rupestre et une fresque de street-art si ce n’est la technique ? 🎨

Une partie de la grotte de Lascaux avec les peintures rupestres au niveau du plafond (Adibu456 – CC BY-ND 2.0)

Le site officiel de l’archéologie française vous permet une immersion virtuelle dans cette grotte: https://archeologie.culture.fr/lascaux/fr/visiter-grotte-lascaux/salle-taureaux

L’art égyptien

Vers l’an 3000 avant notre ère est apparue une civilisation qui continue de passionner les férus d’Histoire et d’Art. Que cela soit au travers de leurs bâtiments, de leurs statues emblématiques ou de leurs peintures, les égyptiens ont tous une uniformité autoritaire. Peu importe le support utilisé, nous savons presque instantanément qu’il s’agit d’art égyptien. Nous retrouvons dans chaque œuvre une régularité dans le mouvement et une série de lois qui étaient enseignées à chaque artiste : Le teint des hommes devait être peint de manière plus sombre que celui des femmes, la représentation des dieux était strictement codifiée. En outre, chaque artiste devait respecté les règles calligraphiques symbolisées par des hiéroglyphes. L’art égyptien a une telle identité que l’on peut aisément avancer qu’il s’agit du premier style réellement construit en tant que tel. À notre époque on appellerait cela … une charte graphique !

Reproduction du Livre des morts (1285 avant notre ère) où l’on voit l’ordonnancement des hiéroglyphes, des postures, des dieux ainsi que de l’utilisation stricte des couleurs.

L’art grec (ou héllénistique)

Une des premières révolutions modernes de l’art intervient dans la Grèce antique. Les artistes grecs avaient, certes, hérité du savoir-faire égyptien mais ils ont commencé à faire travailler leur imagination individuelle en se détachant du carcan égyptien. Une des activités artistiques où cette évolution est clairement visible est la sculpture. L’artiste grec étudie avec précision l’anatomie du corps et arrive peu à peu à la traduire au niveau artistique. Le visage est de plus en plus ressemblant, le torse se bombe, les pieds deviennent réalistes, certains trouvent même le moyen de rehausser le coin des lèvres de leurs sculptures afin d’esquisser un sourire et donc, pour la première fois, d’apporter de l’émotion dans l’art.

Au fil des siècles les statues atteignent des niveaux de perfection jamais égalés. Le corps des sculptures grecques est idéalisé, il représente le sublime et permet aux citoyens de l’époque de viser un modèle de réussite absolu.

Sculpture en marbre représentant le mythe de Laocoon et de ses fils attaqués par des serpents – art grec (vers 40 avant notre ère).

Une autre invention que l’on doit à la civilisation grecque fut la création de trois styles architecturaux qui déterminaient les proportions, les formes et la décoration de toute partie construite en élévation. Loin d’être uniquement une ornementation de colonnes ces trois styles remplissaient un rôle structurel pour les édifices. Le style dorique fut le premier à voir le jour, on le reconnait aisément à ses colonnes simples mais massives telles celles du Parthénon. Le second est le style ionique qui s’inspire du dorique tout en l’affinant et en le décorant sur sa partie supérieure. Enfin le style corinthien a encore été un peu plus loin puisqu’il faisait la part belle à une décoration recherchée tout en volutes sur le thème du végétal.

Les trois ordres architecturaux de l’architecture grecque de l’hôtel d’Assézat (Frédéric Neupont, CC BY-SA 4.0 via Wikimedia Commons)

L’art romain

L’Histoire du monde a des ressorts qui se répètent presque inlassablement. Ainsi quand une civilisation tend à disparaître c’est parce qu’elle se fait bousculer par une autre. Ainsi disparu peu à peu la Grèce antique sous la domination romaine. Les fioritures idéalisées de l’art grec ont laissé la place à une recherche de réalisme et cela se voit sur les bustes des empereurs romains qui étaient une authentique représentation de ce qu’était le vrai visage des célèbres monarques. Il y avait dans la civilisation romaine une appétence pour le réel que l’on ne retrouve pas dans la Grèce antique. Il n’y a pas de hasard si l’aménagement de l’espace (route, ponts, aqueducs, amphithéâtres, etc.) pris une dimension résolument moderne depuis Rome.

Buste de Vespasien (1er siècle de notre ère) où l’on peut remarquer que les romains aimaient tirer le portrait de leurs empereurs … sans aucune flatterie.

L’art islamique

L’Orient, et plus spécialement l’Islam, a donné lieu à une créativité artistique différente. À l’origine il était interdit de représenter l’être humain en image, et cette interdiction était d’autant plus forte quand il s’agissait de Dieu (Allah), une règle qui est toujours d’applications de nos jours. Cette loi iconoclaste n’a pourtant pas enterré l’instinct créatif de l’Homme, ainsi qui ne connait pas l’arabesque ? Ce motif oriental représenté sous forme de mosaïque et qui décore de nombreux palais dont celui de l’Alhambra. Ce travail subtil sur les lignes courbes, que l’on retrouve aussi sur les tapis d’orient, laisse à penser que la dentelle (créée des siècles plus tard) trouve son origine du côté de l’arabesque. 😉

Arabesques du palais de l’Alhambra à Grenade (Espagne).

L’art chinois

Encore un peu plus en Orient se trouve une autre civilisation qui travailla l’art sous la perspective de la courbe. Il s’agit de la Chine. Depuis leur travail du bronze jusqu’aux estampes, il est rare d’y trouver une ligne stricte et droite. Pourquoi ? Parce que la culture asiatique avait un rapport étroit avec la nature et que dans cette dernière tout est sinueux. De chaque partie d’un être vivant jusqu’aux paysages, la courbure était partout. Cette observation se retrouve sur ce dessin daté du XIIème siècle où l’on peut remarquer cet attrait pour le mouvement arrondi.

^{_{Détail d’une œuvre chinoise (encre et couleurs sur soie) extraite d’un rouleau impérial portant le nom de « Conseils de la monitrice aux dames du Palais ». British Museum.}}

L’art médiéval

Revenons en Europe où l’art, pendant la période médiévale, prit une nouvelle direction. En effet, le christianisme était bien installé sur le Vieux Continent et les représentations religieuses fleurissaient un peu partout. C’est à travers celles-ci que l’on a pu se rendre compte que l’artiste médiéval s’émancipait du carcan de ses prédécesseurs égyptiens, grecs ou romains. L’artiste du Moyen Âge apportait une touche réellement personnelle à l’œuvre qu’il créait. Il n’est pas rare de voir des sujets similaires traités de manière fort différente dans la peinture de cette époque comme on peut le voir dans les deux tableaux ci-dessous qui représentent la même scène de Saint-Mathieu et tout deux peint à quelques années d’intervalle.

La peinture de gauche respecte à la lettre le modèle imaginé de Saint-Matthieu tandis que celle de droite s’attache au ressenti d’un homme extrêmement concentré sur sa tâche d’écriture. L’œuvre de gauche est exposée au musée d’Histoire de l’art de Vienne tandis que celle de droite est issue de la bibliothèque municipale d’Epernay.

L’art gothique

À l’opposé de l’Orient qui a longtemps ancré l’art dans la permanence sans y apporter de bouleversement majeur, l’art en Occident a toujours été chamboulé par de nouvelles techniques, de nouveaux styles et de nouvelles idées. Un des plus célèbres est sans doute l’art gothique. Il fut une avancée majeure en matière d’architecture puisque la construction des voutes à l’aide de d’arcs croisés en diagonale allait devenir la norme et permettre d’alléger le poids qui reposait sur les murs porteurs. Les façades des grands édifices de l’époque allaient enfin pouvoir s’ouvrir pour y faire pénétrer la lumière à l’aide de larges vitraux. Il s’agit là d’un changement radical dans la manière de concevoir les bâtiments car c’est grâce aux découvertes liées à l’art gothique que d’autres révolutions architecturales pourront avoir lieu plus tard. Après tout, nos serres actuelles respectent les mêmes principes techniques que ceux de l’art gothique.

Cathédrale Notre-Dame d’Amiens classée au patrimoine mondial de l’UNESCO (© Raimond Spekking – CC BY-SA 4.0)

La Renaissance

Difficile de résumer ce courant artistique tant il est riche en découvertes et en artistes qui ont marqué l’Histoire de l’Art mais en fait pourquoi ce nom de Renaissance ? Au XVème siècle quand on voulait faire l’éloge d’un artiste on disait que ces œuvres étaient dignes des grands maîtres anciens. Ainsi, faire référence au passé glorieux était un gage de qualité artistique et c’est sur ce socle que s’est bâti cette énergie créatrice afin de retrouver le prestige d’antan. Le moins que l’on puisse dire est que les artistes de la Renaissance ne se sont pas seulement inspiré d’œuvres du passé puisqu’ils les ont transformés pour faire une production inédite. Les artistes aspiraient tellement à une renaissance dans les arts qu’ils se sont tournés vers la nature, les sciences et l’étude de l’Antiquité afin d’atteindre leur but.

Deux écoles furent au premier plan de cette révolution artistique : les peintres flamands et les italiens. Pour les premiers ce qui importait était le rendu d’une réalité, la représentation de belles matières, des fleurs, des bijoux ou encore des tissus. Un des maîtres en la matière fut Jan Van Eyck à qui l’on doit l’invention de la peinture à l’huile et la réalisation de ce tableau où tout est pensé afin de saisir l’instant. Van Eyck poussa son travail de réalisme jusqu’à peindre le reflet du miroir en arrière plan.

Scène représentant le marchand italien Giovanni Arnolfini et sa femme venu aux Pays-Bas pour affaires. (Jean Van Eyck – 1434 – huile sur bois – National Gallery de Londres)

Du côté italien, les points communs des artistes de la Renaissance étaient les contours audacieux des sujets représentés en peinture, une perspective nette tout en exprimant la beauté du corps humain. Le point de départ de ce mouvement, comme ce fut souvent le cas dans l’Histoire de l’art prend racine en architecture avec Brunelleschi qui dépassa les techniques de l’art gothique en réussissant à construire des voûtes immenses comme ce fut le cas pour la cathédrale de Florence. Il apporta une beauté nouvelle et inédite pour les édifices qui allait faire autorité durant cette époque. Du côté de la sculpture, il y eut Donatello qui créa des statues réalistes comme celle du Saint-Georges. Solidement ancré sur sa base, son visage semble guetter l’approche du monstre et la posture de son corps est prête au combat. Il y a une impression de vie et de mouvement qui se dégage de cette sculpture sans pour autant nuire à la clarté du contour, ce qui était un fait nouveau dans le travail de la pierre.

Sculpture en marbre de Saint-Georges réalisée par Donatello vers 1415-1416 (Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons)

Au niveau de la peinture, un des artistes illustrant le mieux la Renaissance est Sandro Botticelli qui réalisa un des tableaux les plus connus de l’Histoire est La Naissance de Vénus où l’on peut admirer la déesse sortie de la mer, de bout sur une coquille. Elle est poussée vers le rivage par deux divinités du vent, sous une pluie de rose tandis qu’une nymphe l’accueille avec un manteau. L’harmonie de ce tableau est parfaite puisque le peintre s’est inspiré des techniques de ses prédécesseurs pour mieux s’en détacher et créer une œuvre où la grâce est omniprésente, l’utilisation de l’espace entièrement équilibré et l’imaginaire épatant. Botticelli ira même par prendre une forme de liberté audacieuse pour arriver à ses fins. Il suffit de regarder l’étrange longueur du cou de Vénus, ses épaules tombantes ou la surprenante proportion de son bras gauche pour se rendre compte que ce qui comptait pour le peintre italien était avant tout de susciter des émotions.

La Naissance de Vénus peint par Sandro Botticelli vers 1485 (peinture exposée à la galerie des Offices – Florence)

L’art baroque

S’il y a bien un mouvement artistique que l’on pourrait qualifier de généreux, c’est le baroque. Les œuvres de cette période ont un supplément de lumière, de figures, de mouvements et d’espace au point de frôler l’exubérance. La richesse des compositions baroques avait pour but de surprendre le spectateur et nombre d’artistes utilisaient l’allégorie afin d’étonner leur audience. Ils pouvaient, par exemple, faire passer un message tout utilisant les codes de la mythologie. Ce fut le cas de Pierre-Paul Rubens avec son tableau Allégorie sur les bénédictions de la paix qui aurait été offert à Charles 1er alors que ce dernier était prêt à entrer en guerre avec l’Espagne. On y voit les bienfaits de la paix incarnée par Minerve, la déesse de la sagesse alors que la Mars et la furie de la guerre sont repoussés à l’arrière plan. Il saute aux yeux que cette composition comporte moult détails ainsi que l’utilisation de couleurs éclatantes mais aucun de ses sujets n’a de formes idéales. Rubens n’avait que faire de la beauté antique, ses personnages sont représentés tels qu’il les voyait dans son esprit.

Pierre-Paul Rubens, Allégorie de la bénédiction de la paix, huile sur toile de 1629. Actuellement exposé à la galerie nationale de Londres.

Le romantisme

Cette période artistique s’étend de la fin du 18ème siècle jusqu’aux années 1850 et apporte, à nouveau, une rupture dans la création artistique. Avant le Romantisme, les sujets abordés étaient souvent répétitifs : la mythologie, les scènes en rapport avec la Bible ou les héros d’autrefois représentaient la plupart des œuvres de l’Histoire de la peinture. La tradition vola en éclats et les artistes se mirent à peindre des sujets d’actualité. Les artistes se détachèrent du poids du passé afin d’entrer dans l’ère d’une certaine liberté. Ainsi n’importe quel sujet qui suscitait l’intérêt du peintre pouvait maintenant se retrouver sur une toile. Un des peintres les plus représentatifs de ce mouvement est certainement l’espagnol Francisco Goya, à qui l’on doit cette gravure hallucinante. Elle nous montre un géant assis sur l’horizon. Sa taille démesurée est soulignée par l’échelle minuscule du paysage où les maisons sont réduites à des tâches infimes. Cette œuvre fantastique montre que les artistes pouvaient désormais exprimer une intériorité vraiment personnelle.

Le Géant ou le Colosse. Gravure à l’eau-forte réalisée par Francisco Goya en 1814.

L’impressionnisme

Monet, Manet, Van Gogh, Renoir, Cézanne, … qui ne connait pas ces superstars de la peinture qui sont devenus autant de noms de marque, assurant le succès pour n’importe quelle exposition temporaire. Les impressionnistes ont fait un travail considérable sur la perception des couleurs. Ils se sont aperçus que n’importe quel élément que nous regardions pouvait avoir d’innombrables coloris différents. Un des exemples les plus connus est certainement la série des peintures de la cathédrale de Rouen effectuées par Monet. On y voit le même monument peint à des moments différents de la journée. Le bâtiment pouvait autant rougeoyer que devenir diaphane. L’artiste français a prouvé que la lumière pouvait avoir d’incroyables effets sur la nature et les objets. Ce travail sur la conception de la couleur est devenue le symbole de tous les peintres impressionnistes.

À gauche le portique Ouest de la Cathédrale de Rouen peint à la fin d’une journée ensoleillée. À droite le même angle de vue mais peint lors d’une matinée brumeuse (Claude Monet – 1893/1894)

Du cubisme à l’art abstrait

Les débuts du XXème siècle virent l’art pictural se transformer à nouveau. Braque et Picasso tentèrent de représenter le réel à l’aide de formes géométriques sans pour autant nuire à la compréhension d’une peinture. L’œuvre de Picasso sobrement intitulée Violon et Raisons démontre que le spectateur n’a nul besoin de voir une imitation de la réalité mais juste d’en comprendre les codes. Même si le violon est destructuré, on peut aisément reconnaitre le manche, le chevalet, les ouïes ainsi que la forme caractéristique de cet instrument de musique. Le cubisme avait pourtant une limite : Il fallait que les motifs représentés soient familiers (une bouteille, une guitare, un visage) et donc, connus de tous.

Violon et raisins. Huile sur toile réalisée par Pablo Picasso en 1912 et exposée au MoMA de New-York

Cet éclatement dans la représentation des objets allaient donner à une succession d’abstractions de plus en plus poussées. On peut notamment penser à Kandinsky, Pollock et Mondrian mais aussi à Kasimir Malevitch qui poussa le concept en rejetant tout élément figuratif dans ses peintures. En réalisant un travail sur l’équilibre qu’il peut y avoir entre les constructions géométriques et les couleurs primaires, l’artiste dépouille ses œuvres à l’extrême. Peut-être était-ce une provocation contre le bon goût, les normes sociales de l’époque et les conventions artistiques? En tout cas, il préfigure une question qui ne cessera plus d’être posée : Qu’est-ce que l’art ?

Cercle noir sur fond blanc. Dessiné en 1915 et peint en 1924 par Kasimir Malevitch. Exposé au musée russe de Saint-Pétersbourg.

L’art informel

Enfin, cet article aurait pu se terminer par des mouvements tels que le Surréalisme ou le Pop art mais mon regard s’arrêtera sur un artiste qui est lié à l’art abstrait et qui est l’un des fondateurs de la peinture informelle. Ce courant naît sous l’occupation pendant la deuxième guerre mondiale où les artistes sont contraints de ne plus représenter la réalité de manière explicite. Ils sautent sur l’occasion pour s’éloigner des éléments qui ont fait le succès du cubisme : les formes, les proportions, l’équilibre, etc. Ils créent des œuvres basées sur la spontanéité dans le geste mais utilisent la couleur comme une matière à travailler telle une pâte. L’un des artistes les plus représentatifs de ce mouvement est Pierre Soulages (1919-2022), à qui l’on doit les œuvres Outrenoir. Elles semblent rappeler l’art primitif tout en s’inscrivant dans notre époque.

Les œuvres de Soulages n’étant pas dans le domaine public, il ne m’est pas possible d’afficher une photo mais vous pouvez évidemment vous rendre sur le site officiel afin de voir un aperçu … même si la photographie n’est pas encore capable de rendre possible l’effet de la matière sur nos cinq sens. 😉

À bientôt
Éloge de l’ombre | Junichirô Tanizaki

avril 14th, 2021

Conseiller un livre est une entreprise périlleuse. Combien de fois n’ai-je pas recommandé tel bouquin à telle personne en étant certain qu’ils allaient devenir inséparables, que les pages allaient se faire bouffer toutes crues en une poignée d’heures ! La réalité m’a souvent remis les yeux bien en face des orbites: j’aurais fait un pitoyable libraire ou bibliothécaire.

Chaque lecteur potentiel a des goûts spécifiques, des attentes particulières qui varient en fonction de son vécu, ainsi qu’un degré d’influençabilité personnel tellement volatile qu’il faut être fin psychologue avant de dénicher l’objet idéal et ensuite débiter la phrase fétiche “j’ai le livre qu’il te faut !” Avant d’être partagée, la lecture reste un repli où l’on entre en résonance (ou pas) avec une histoire. D’ailleurs, ne dit-on pas que c’est le livre qui nous choisit et non l’inverse?

Tout comme dans l’action d’écouter une musique, il y a dans la lecture une part non négligeable d’initiation. Rares sont les personnes, par exemple, qui discernent à la première écoute la multitude de variations et de nuances d’un concerto de Bach. Il faut être un minimum aiguillé afin d’ouvrir le champ des possibles. La littérature n’échappe pas à cette règle initiatique. Si une personne vous montre dès l’enfance la lecture comme source de plaisir, il y a de grandes chances que vous tournerez des centaines de milliers de pages tout au long de votre vie. Cette initiation continue au gré de personnes rencontrées, de libraires chez lesquels on va fouiner, ou encore de blogs tels que l’excellent Bibliofeel qui propose des chroniques en dehors des sentiers battus. C’est d’ailleurs via ce site que le livre Éloge de l’ombre (1) de Junichirô Tanizaki s’est mis à me faire de l’œil. Analyse de cet ouvrage culte japonais. 行こう!

Tanizaki et l’ère Meiji

Afin de mieux saisir l’intérêt de ce livre publié pour la première fois en 1933, il est important de dire un mot sur Junichirô Tanizaki ainsi que sur la période durant laquelle il écrivit ce bref essai. D’abord l’homme, né un 24 juillet 1886 à Tokyo, est un écrivain qui a, dès ses premiers écrits, apporté un style qui brisa les codes littéraires japonais de l’époque lorgnant jusque-là du côté du romantisme et du naturalisme. Tanizaki a gardé tout au long de sa vie cet esprit anticonformiste en faisant fi des courants qui traversaient le Japon de la fin du XIX au début du XXe siècle. C’est ce que l’on appelle l’ère Meiji du nom de l’illustre empereur nippon.

Cette période est un tournant dans l’Histoire du Japon. Ce pays, qui vécut pendant des siècles loin de l’influence culturelle et technologique occidentale, se voit soudainement chamboulé par une manière de vivre diamétralement opposée aux siècles de tradition et entre, d’un coup, dans l’ère de la modernité.

Ces deux éléments, c’est-à-dire la gouaille de Tanizaki et l’entrée dans le monde moderne sont pour moi, le socle de l’Éloge de l’ombre où l’auteur japonais regarde le présent en mettant dans la balance le poids d’un héritage multiséculaire.

L’ombre et la lumière

Le Japon d’autrefois avait alors une identité forte, imprégnée d’une notion de beauté très différente de nos standards occidentaux. Et l’auteur de nous faire découvrir l’âme nippone ancestrale. Celle qui était habituée au dépouillement, à l’obscurité ainsi qu’aux ombres. Chez Tanizaki point de place pour l’éblouissement par la lumière qu’il considère inadaptée à la vie de l’archipel :

“ En fait, la beauté d’une pièce d’habitation japonaise, produite uniquement par un jeu sur le degré d’opacité de l’ombre, se passe de tout accessoire. L’Occidental, en voyant cela, est frappé par ce dépouillement et croit n’avoir affaire qu’à des murs gris dépourvus de tout ornement, interprétation parfaitement légitime de son point de vue, mais qui prouve qu’il n’a point percé l’énigme de l’ombre. “ (2)

Il y a dans le concept d’obscurité un respect profond et subtile pour l’environnement dans lequel il se manifeste. Il s’agit d’un tout et non d’une simple variation lumineuse. L’auteur japonais nous emmène jusque dans les toilettes japonaises de l’époque qui était, de nouveau, l’exact opposée des nôtres. Là, pas de carrelage ni de faïence, pas de pièce chauffée à la blancheur immaculée mais une annexe près des feuillages où le confort boisé est certes rudimentaire mais en adéquation parfaite avec la nature. À l’instar de ces lieux d’aisance, Tanizaki nous fait alors découvrir pourquoi l’obscurité était présente partout des WC aux meubles laqués noirs jusqu’aux ustensiles de cuisine rarement brillants mais souvent sombres. C’est qu’il y avait une recherche de poésie dans ce Japon ancestral. L’ombre était alors l’écrin parfait pour mettre en valeur des choses lumineuses telles que certaines couleurs éclatantes comme l’or ou plus banalement dit le… doré.

Le beau

Cette conception de la beauté à travers l’obscurité est, sans doute, quelque-chose qui continue de perturber bon nombre d’entre-nous qui ne jurons que par la recherche absolue de lumière. Ne dit-on pas qu’une personne est rayonnante voire solaire? À contrario, n’utilisons-nous pas tout un vocabulaire péjoratif lié à l’ombre pour décrire des faits négatifs ? Pourtant les nuances et la subtilité ne se découvrent qu’à travers des jeux d’ombres. Les artistes sont sans doute les premiers à utiliser cet aspect positif de la pénombre. Il suffit d’admirer un chef d’œuvre de la peinture pour se rendre compte de sa présence indiscutable. Sans elle, la peinture serait totalement différente. Il en va de même pour la photographie, la musique, la calligraphie et bien d’autres pratiques. Le livre de Junichirô Tanizaki est culte car il a renversé la réflexion sur le beau en l’abordant, dès le départ, à travers l’obscurité et non via le poncif éculé qu’est la lumière.

“ Je crois que le beau n’est pas une substance en soi, mais rien qu’un dessin d’ombres, qu’un jeu de clair-obscur produit par la juxtaposition de substances diverses. De même qu’une pierre phosphorescente qui, placée dans l’obscurité émet un rayonnement, perd, exposée au plein jour, toute sa fascination de joyau précieux, de même le beau perd son existence si l’on supprime les effets d’ombre. “ (3)

Conclusion

Avec ce livre épais de 90 pages seulement, Tanizaki a renversé les codes conventionnels et donné une perspective déroutante afin de nous parler d’un Japon aujourd’hui disparu mais dont l’onde de choc continue encore de se faire sentir aujourd’hui. Car, si son ode à la faveur de l’obscurité peut-être lue de manière historique, artistique ou encore folklorique, elle est aussi une exceptionnelle mise en abyme de la manière dont fonctionne une modernité qui oublie d’où elle vient. Cette recherche viscérale de progrès qui nous fait détester la moindre parcelle d’ombres en nous. Il faut que tout scintille jusqu’à l’épuisement. Et que restera-t-il quand tout s’éteindra à nouveau? Il restera l’obscurité car c’est du néant que jaillit la lumière.

Un livre à mettre entre toutes les mains 😉

À bientôt,

(1) TANIZAKI J., Éloge de l’ombre, Éditions Verdier, 2011.

(2) Ibid., P.44

(3) Ibid., P.64
La peinture russe en 10 tableaux

octobre 25th, 2020

Il existe une Russie artistique mondialement reconnue. Celle qui fait que vous connaissez sans doute Tchaïkovski ou Rachmaninov comme des compositeurs ayant marqué l’histoire de la musique. Il en va de même pour les Dostoïevski et Tolstoï en littérature. Et puis il y a une Russie artistique plus confidentielle qui reste dans le cercle restreint d’experts de telle ou telle discipline. Prenez le cinéma, par exemple, un cinéphile sait que Tarkovski a marqué de son empreinte le septième art alors qu’un spectateur lambda se demandera qui est cet illustre inconnu.

La peinture, elle aussi, a du mal à se frayer un chemin à l’international si ce n’est pour l’œil averti de passionnés du pinceau. Certains tableaux valent pourtant le détour. Ils permettent de comprendre un peu plus ce qu’est la fameuse âme russe. Je vous propose ici une sélection de dix tableaux de peintres différents qui ont un rapport étroit avec le territoire russe. Certes, certains sont ukrainiens ou ont vécu une majorité de leur vie à l’étranger, mais tous relèvent de ce qu’on appelle communément la peinture russe.

Petit détail technique, pour voir les peintures en grand format, il vous suffit de cliquer sur la peinture correspondante.

1) Catherine | Dmitry Levitski

_{1780, Huile sur toile, 110 x 76,8 cm, Galerie Tretiakov, Moscou}

Levitski était connu pour tirer le portrait à d’importantes personnalités de l’époque dont un certain Denis Diderot. Ce genre de commande était un des seuls moyens de survivre tout en vivant de son art. Devrais-je d’ailleurs dire survivre puisque la réalisation de ces portraits n’a pas évité à l’artiste de mourir dans la pauvreté du côté de Saint-Pétersbourg.

2) La neuvième vague | Ivan Aïvazovski

_{1850, Huile sur toile, 221 x 332 cm, Musée Russe de Saint-Pétersbourg}

Ce tableau est sans doute l’un des plus connu de l’artiste puisqu’il représente ce que Aïvasovski aimait peindre par dessus tout: la mer. On peut y voir une vaste étendue d’eau agitée et c’est en s’approchant du tableau qu’il est possible de voir les multiples nuances, la sensibilité de la lumière ou encore l’utilisation de couleurs intenses pour la mer et le ciel.

3) Les bateliers de la Volga | Ilia Répine

_{1873, Huile sur toile, 131,5 x 281 cm, Musée Russe de Saint-Pétersbourg}

Des hommes tirent un bateau de toutes leurs forces. Comme pour d’autres peintures, Ilia Répine met l’accent sur l’individualité des sujets. On peut voir, distinctement, les expressions de chaque visage et la douleur qui en ressort. Et c’est justement ce que cette peinture symbolise : la capacité du peuple russe à endurer la souffrance. Le peintre était sans doute l’un des maîtres incontestés du réalisme social.

4) La chênaie | Ivan Shishkin

1887, _{Huile sur toile, 125 x 193, Musée national de peinture de Kiev}

Cette peinture ressemble à s’y méprendre à une photographie et représente bien le style naturaliste de Shishkin. Comme des dizaines d’autres, ce peintre fit partie d’un mouvement artistique russe appelé Les ambulants. Ils avaient pour but de rompre avec les codes académiques et d’organiser des expositions itinérantes afin de rendre l’art accessible à un large public.

5. Petit bois de bouleaux | Arkhip Kouïndji

_{1879, Huile sur toile, 97 x 181, Galerie Tretiakov, Moscou}

Un bosquet qui surprend par l’utilisation d’effets de lumières et qui fit la renommée du peintre ukrainien. On dit d’ailleurs que certains visiteurs d’expositions où se trouvaient les œuvres du Kouïndji regardaient derrière le mur afin de voir si il n’y avait un pas un trucage ou une source de lumière supplémentaire.

6) Débarcadère pour bateaux à vapeur en Crimée | Constantin Korovine

_{1913, Huile sur toile, 67,5 x 84,5 cm, Galerie Tretiakov, Moscou}

L’impressionnisme ne fut pas en reste sous les traits de pinceaux de Korovine. Quoi de plus normal pour ce peintre qui voyagea plusieurs fois à Paris avant de s’y installer définitivement. Il peignit la vie parisienne mais aussi des tableaux qui se déroulaient en Crimée tel ce port.

7) Le bolchevik | Boris Koustodiev

_{1920, Huile sur toile, 101 x 141 cm, Galerie Tretiakov, Moscou}

Koustodiev peignit des sujets très différents les uns des autres, du portrait aux illustrations de classiques littéraires russes, en passant par des scènes de vie aux nus artistiques mais aussi des paysages, le peintre touche à tout. Cette peinture est une œuvre encore plus inhabituelle chez Koustodiev puisqu’il détourne une caricature de squelette géant en le remplaçant par un bolchevik. Cette composition deviendra vite un classique de l’art soviétique.

8) Nikita | Alexei Von Jawlensky

_{1910, Huile sur carton, 85,5 x 73,5 cm, Musée de Wiesbaden}

En réalisant ce portrait du neveu de sa femme, le peintre donne une nouvelle dimension aux portraits. L’alternance des couleurs claires et sombres et l’apparente simplicité du style rend le composition d’une étonnante clarté. Ce désir de simplicité préfigure déjà un style plus abstrait.

9) Carré noir sur fond blanc | Casimir Malevitch

_{1915, Huile sur toile, 79,5 x 79,5 cm, Galerie Tretiakov, Moscou}

Cette œuvre est typique du courant suprématisme fondé par Malevitch et qui poussait la peinture jusqu’à son abstraction quasi-complète. Cette manière de peindre est à comprendre dans la période où elle fut à son apogée (révolution russe, première et deuxième guerre mondiale) et peut être vue comme une provocation contre le bon goût, les normes sociales et les conventions artistiques.

10) Petits mondes | Vassily Kandinsky

_{1922, Lithographie, 105 x 98 cm, Centre Georges Pompidou (Paris)}

Enfin, qui ne connaît pas Kandinsky? Ce peintre abstrait qui, comme Malevitch, rejetait tout élément figuratif dans ses peintures tout en gardant une certaine recherche d’expressivité. Il est à noter que ses œuvres les plus abstraites furent interdites en Russie car jugées nocives pour les idéaux socialistes.

Il existe encore bien d’autres peintres russes qui mériteraient un mot d’explication tels que Vrubel, Levitan ou Serov (pour ne citer qu’eux) mais le fait de limiter le choix à dix peintures permet, je l’espère, une meilleure lisibilité de l’évolution de la peinture russe. Chacun de ses peintres ayant apporté une touche personnelle à l’histoire de cet art en Russie.

До скорого !
Les Coquins | Marion Fayolle

août 13th, 2020

Il m’arrive de faire des promenades matinales quand la dernière fraîcheur de l’air annonce la chaleur à venir, quand le soleil n’a pas encore incendié ces malheureuses touffes d’herbes jaunies, et quand les seules personnes que je croise sont ces mémés asthmatiques qui se font promener par des chiens blancs, toujours trop petits, toujours pareils.

Mais ne vous y méprenez pas, cette routine de vacancier — ou de vieillard, à vous de trancher — est avant tout un sport moteur de précision ! Il faut savoir sortir sur la piste des sentiers balisés au bon moment, ni trop tôt dans la pénombre, ni trop tard parmi la foule. Prendre de la vitesse, la calvitie fouettée par le vent. Effleurer les trottoirs du bout de la semelle et rétrograder à l’approche d’étrons ralentisseurs. Arrive enfin la périlleuse succession de trois virages sous forme de boîtes à livres. La première ne contient que des classiques à moitié déchirés, bof. La deuxième? Du Danielle Steel, pas mieux. La troisième, enfin, contient un petit OVNI livresque au dessin pour le moins interpellant. Je prend! Direction la ligne d’arrivée avec cet ouvrage irrévérencieux dénommé Les coquins de Marion Fayolle (1)

Un coup de pinceau symbolique

Qu’il est difficile de rester de marbre devant cette première de couverture où un homme au sexe d’escargot fait face à une femme arborant … sa généreuse salade. Non vous ne rêvez pas ! Que peut-il se cacher derrière ce coup de pinceau à l’allure enfantine mais chargé d’une symbolique limpide ?

En faisant l’économie des mots, la dessinatrice donne les pleins pouvoirs à notre force évocatrice. Il ne faut pas une fraction de seconde pour que notre cerveau comprennent que les personnages ne sont autres que nous-même rejouant une comédie qui perdure depuis la nuit des temps avec nos désirs, nos peurs, nos attentes et nos déterminismes. Les corps sont ici une matière à modeler qui permettent d’illustrer les relations de femmes et d’hommes de manière originale et percutante. A l’heure où nous sommes abreuvés — et donc habitués — d’images de corps hypersexualisés, ces dessins sortent du lot.

Des corps et des questions

Les coquins évitent intelligemment l’écueil de la pornographie en désincarnant les personnages. Il suffit de prêter attention à la plastique corporelle dans chacune des illustrations pour se rendre compte que l’essentiel ne se situe pas dans la beauté esthétique mais dans le message véhiculé que chacun interprétera avec son propre vécu: comment un homme regarde une femme, comment une femme se sent-elle en présence d’un homme, comment un homme perçoit-t-il son corps? Comment une tierce personne chamboule une relation ? Etc.

Les deux sexes sont, au fur et à mesure des pages, mis à équidistance l’un de l’autre. La balance ne semble pas pencher plus en faveur de l’un que de l’autre. Et c’est sans doute cela aussi qui fait la force de ce recueil de dessins. Loin d’être une énième resucée féministe postmoderne qui n’aurait rien à dire si ce n’est s’engouffrer dans un effet de mode qui ne fait pas spécialement avancer la cause des femmes ; la dessinatrice a au moins le mérite de mettre en avant des sujets qui nous concernent toutes et tous, de près ou de loin … et cela sans piper mot. Chapeau l’artiste !

Il ne me reste plus qu’à déposer ce livre dans une des boîtes à livres du quartier lors de mes prochaines pérégrinations matinales. Je suis certain qu’il attirera l’œil de passants curieux ou de mémés en bout de souffle. 😉

A bientôt,

(1) FAYOLLE M., Les coquins, Editions Magnagni, 2014
La Vierge au fuseau | Léonard de Vinci

mars 1st, 2020

Une œuvre méconnue

Pour admirer l’ineffable rictus de la Joconde veuillez vous rendre au Louvre de Paris, faire la queue et jouer des coudes entre une armée de perches à selfie pour enfin vous retrouver au plus proche de l’œuvre, c’est à dire à plusieurs mètres du tableau protégé par une épaisse parois de verre. « Qu’on la laisse respirer, elle se meurt. «

L’homme de Vitruve, lui, se trouve enfermé à Venise. Il est conseillé de ne pas oublier ses lunettes pour appréhender la géométrie parfaite de ce dessin à peine plus grand qu’une feuille A4. « Pour un format plus grand, nous vous conseillons la boutique« .

Que dire de la Cène, cette fresque murale mondialement connue qui n’existe déjà presque plus en tant que telle suite aux restaurations très orientées qu’elle a subit. Ou encore ce Salvator Mundi qui défraie toujours la chronique autant pour son prix que pour les doutes qu’il soulève. « Est-ce vraiment Léonard de Vinci qui a peint ça ?«

En dehors de ces classiques devenus des icônes de la consommation de l’art et qui s’impriment sur des t-shirts ou des mugs souvenir… se trouve la Vierge au fuseau. Un tableau moins connu mais qui semblerait être de la patte du maître italien.

Tableau de la Vierge au fuseau (ou la madone au fuseau) après restauration – Léonard de Vinci

L’étude du tableau

Tout d’abord il convient de rappeler qu’il n’y a pas de consensus sur la paternité de Vinci quant à cette peinture de 50x36cm mais de sérieux indices qui tendent à montrer que Léonard était bien à l’œuvre sur ce tableau.

L’arrière plan est typique des œuvres attribuées à Léonard de Vinci. Les couleurs délavées du ciel sont exactement les mêmes utilisées pour créer la texture des montagnes. Cette atmosphère diaphane permet d’illustrer quelques détails lointains, sans surcharger le reste de l’œuvre. À l’instar de la Joconde cet aspect clair sur le haut du tableau sert d’écrin à la tête du personnage principal. Le principe de la photo d’identité en quelque sorte … le décor en plus.

Lors de l’étude du tableau, de microscopiques fragments de peinture ont été prélevés et analysés. Il en ressort que le pigment utilisé pour faire le bleu chatoyant de la toge est du lapis-lazuli. Cette pierre précieuse dont on extrayait le fameux pigment — qui se vendait au prix de l’or — et qui permettait d’avoir ce bleu si particulier que l’on retrouve dans d’autres peintures de Vinci.

Une des choses qui a fait la renommée du peintre italien est sa technique du « sfumato ». Comme son nom l’indique, elle crée un effet vaporeux et adoucit les contours trop marqués, comme celui d’un visage par exemple. Cela permet d’avoir un effet plus réel de n’importe quelle partie du corps humain. Dans la Vierge au Fuseau, il suffit de regarder le visage de la femme ou le cou de l’enfant pour se rendre compte que Vinci maniait sa technique du sfumato comme personne à la même époque.

La réflectographie, un outil supplémentaire

Toujours dans le rayon des indices, il existe une technologie appelée réflectographie qui permet, à l’aide d’une caméra et d’une lumière infrarouge de traverser les différents pigments de la peinture sans y toucher et d’y laisser uniquement apparaître les pigments noirs. C’est à dire ceux utilisés pour réaliser le dessin préparatoire de la peinture. Les spécialistes s’accordent à dire que cette première esquisse est un indice supplémentaire pour attribuer la paternité de la Vierge au Fuseau à Léonard de Vinci.

Réflectographie de la Vierge au fuseau (à gauche la toute première version supposée. A droite la version surnommée « Madone Buccleuch »)

De plus il existe de nombreuses copies du tableau réalisées par les élèves du maître où l’on peut voir certains détails changer, s’ajouter ou disparaître de l’œuvre originale. C’est de nouveau la réflectographie infrarouge qui donnera un indice supplémentaire sur le caractère authentique de la Vierge au Fuseau telle qu’illustrée dans cet article.

Il y a quelques-semaines, il m’a été donné l’occasion de voir cette œuvre de mes propres yeux lors de la rétrospective sur Léonard de Vinci au Louvre. Certes, il y avait des dizaines d’autres peintures ou dessins du maître mais celle-ci a magnétisé mon iris dès le premier regard. Sa récente restauration m’a permis d’apprécier, à quelques-centimètres, tous les détails qui font que cette peinture est plus que probablement de Léonard.

Enfin, il est à espérer que cette œuvre, appartenant à un collectionneur privé, puisse maintenant prendre place dans un musée pour le plus grand bonheur de celles et ceux qui veulent apprécier le coup de pinceau du peintre italien sans être mis à distance comme pour … (suivez mon regard). 😉

À bientôt.

N.B. : Plusieurs noms circulent pour nommer le tableau de La Vierge au fuseau. La Madone aux fuseaux, La Madone au fuseau ou encore La Vierge au dévidoir. À vous de choisir.

Pour en savoir plus:

– Une interview de Frédéric Wilner, réalisateur d’un documentaire vidéo sur cette œuvre.