#2 Dans l’atelier de Caroline Guth

💡 Vous pouvez d’ores et déjà retrouver les œuvres et les infos sur l’artiste Caroline Guth via son site internet !

Bonjour Caroline, bienvenue dans ce rendez-vous qui permettra aux lecteurs des Petites Analyses de vous découvrir à travers une interview sans langue de bois, ni compromis. C’est d’ailleurs par cet aspect sans concession que je commencerai notre échange. À l’heure de l’uniformisation, où la fausse pudibonderie gomme le nu parce qu’il est confondu avec la pornographie, votre travail détonne ! Comment est-ce qu’une artiste, pour qui les corps se trouvent au cœur de ses tableaux, vit-elle cela ?

Je vis cela comme un paradoxe. Le sexe comme la violence sont omniprésents dans notre quotidien, la nudité c’est autre chose. Aujourd’hui le sexe est devenu une identité et une nouvelle forme d’aliénation et je pense que c’est en partie pour cela que les jeunes s’en détournent car il y a un étouffement dans cette sexualisation et érotisation à outrance. On doit créer sa sexualité (donc la liberté se transforme en impératif), éprouver des orgasmes même en mangeant, etc.

La nudité, surtout dans l’histoire de l’art occidentale c’est bien autre chose. C’est la vérité nue, c’est le corps du Christ, le corps désirant et désiré, le corps souffrant et existentiel, c’est multiple et ça a à voir avec notre besoin métaphysique. Un désir de vérité, de nudité, de dépouillement, de purification, de sacré même. Qu’on pense au tableau du Titien, « L’amour profane, l’amour sacré », l’amour sacré c’est la femme dans sa nudité.
Concernant la pornographie, elle ne nécessite pas la nudité du corps, elle nécessite seulement de découvrir les parties sexuelles et les exhiber comme source d’excitation et de décharge pulsionnelle.

Par ailleurs, je pense qu’une société qui n’est plus capable de regarder un corps nu sans ressentir des pulsions purement sexuelles, est une société inquiétante au sens pulsionnel. Une société qui a peur de ne plus pouvoir contrôler ses pulsions et qui réduit son rapport au corps à une pure animalité …

Disons donc que je ne souhaite pas céder à cette fausse pudibonderie et surtout à cet abêtissement intellectuel. Par ailleurs en tant que femme, pouvoir enfin peindre et dessiner du nu, corps masculin ou féminin, est une énorme conquête car le nu fut durant des siècles strictement interdit aux artistes femmes. C’est qui plus est pour une artiste femme le moyen d’inventer un corps existentiel féminin qu’il soit métaphysique ou érotique, un corps désirant et non plus un objet désiré.

À l’instar des membres du groupe littéraire Oulipo qui écrivent sous des contraintes qu’ils s’imposent eux-mêmes, je vous propose un petit défi pour vous présenter aux lecteurs: répondre à la question “Qui êtes-vous ?” en exactement 10 phrases…

– Qui suis-je ? et en dix phrases, voilà un exercice complexe pour moi.

– Pour faire simple, je suis une peintre française qui privilégie le nu et le portrait.

– J’essaie d’être une picto-aphoriste afin de ramener la pensée (philosophique et existentielle) au sein de la peinture.

– Je réalise également des court-métrages d’art video sur le féminin, la mémoire, les origines, l’existence et actuellement je travaille sur un court métrage en forme d’allégorie de la peinture.

– j’utilise toutes les techniques possibles au 21^ème siècle pour élaborer des œuvres témoignant de notre réel contemporain.

– Je ne souhaite pas peindre comme les maîtres du passé (copier le passé) mais de me montrer à la hauteur des ambitions de nos plus grands peintres.

– J’essaie autant que je peux d’échapper à l’asphyxie engendrée par le marché de l’art.

– J’essaie de peindre comme le dernier lieu pouvant encore échapper à la conformisation du désir et de l’intime.

– Je ne peins que des gens que je connais ou que j’ai appris à connaitre pour que les peindre ait un vrai sens existentiel, le modèle n’étant jamais dans mes peintures un élément anecdotique.

– Je défends l’aspect intellectuel et conceptuel de la peinture dans la lignée de la Cosa mentale de Leonard de Vinci ( d’où l’idée d’aphorismes picturaux) et la narration qui permet de ne pas réduire la peinture à un aspect purement rétinien ou décoratif (comme le dénonçait très justement Duchamp).

– Pour finir, si je devais un jour me soumettre à un dictat extérieur à mon désir, je cesserais de peindre.

Vous êtes née dans une famille d’artistes mais la philosophie revêt une importance particulière à vos yeux. Einstein disait que l’important c’est de ne jamais cesser de se poser des questions et l’on ne peut qu’être questionné quand on regarde vos tableaux. Qu’est-ce que la philosophie représente pour vous ?

Elle représente énormément, ma peinture est philosophique c’est-à-dire à la fois métaphysique et existentielle. Mon ressenti de la peinture très jeune m’a amené à la philosophie comme la source de mon amour de la peinture et de l’art dans son ensemble.

Le philosophe Ernst Cassirer sur lequel j’ai fait un mémoire de DEA considère l’homme comme un animal symbolique pouvant créer des symboles et des mondes de façon infinie. L’art est l’une des seules libertés que nous avons face à l’inéluctable de la mort. C’est l’infini au cœur du fini. C’est aussi d’une certaine façon ce que Malraux entendait par l’art comme « Anti-destin ». La philosophie c’est maitriser le réel mais aussi et peut être même fondamentalement apprendre à mourir.

À mes yeux il n’y a donc pas de véritable art sans pensée, même inconsciente. L’art, la peinture est toujours le dévoilement d’un mode de valorisation ou dévalorisation du réel et de la vie.

Le processus de création dans le domaine de la peinture peut être interpellant vu de l’extérieur. Comment se passe la création d’un tableau ? Avez-vous une idée très précise de ce que vous allez créer avant de commencer ? 

La création d’un tableau ou d’une série de tableaux est quelque chose qui commence bien avant la réalisation parfois même plusieurs années avant. Au commencement il y a un désir ou une émotion, quelque chose qui veut se mettre en forme, prendre forme. Lorsque j’étais enfant je crois que c’était la beauté mais aussi la fascination du voir et surtout fascination envers le visage et le corps de ceux qui m’entourent.  Depuis aussi loin que je me souvienne c’est dessiner et représenter les gens qui m’entouraient qui me plaisait.

Ensuite, au travers de ces visages et corps, j’ai eu le désir d’y faire surgir des émotions. Des émotions que je ressentais en les écoutant ou des émotions qu’ils provoquaient en moi comme le désir, l’attirance, la curiosité, la colère, l’ennui, etc. …

Donc le processus commence lorsque j’ai une idée très précise de l’émotion que je veux mettre en forme et donner à voir mais pas de la façon d’y parvenir, cela me demande beaucoup de temps. Je cherche des personnes qui peuvent incarner cette émotion, je fais des rencontres, des essais, des séances de poses ou des autoportraits, parfois même des rêves ou une mise en scène se donnent à moi …  et tout doucement la composition du tableau se crée. Ce qui n’est que le début du tableau car ensuite il faut le dessiner et le peindre, ce qui ajoute encore de l’inconnu … finalement jusqu’à la fin on tâtonne et on se sait qu’à la fin que le tableau est enfin abouti.

Certains avancent que l’artiste est conscient de ce qu’il fait mais seulement jusqu’à un certain point, qu’il y a moment où sa main (son corps) est guidée par son subconscient. Êtes-vous d’accord avec cette affirmation ?

Oui. D’une certaine façon oui car l’émotion qui fait naitre le désir de créer un tableau, une composition vient d’une part souvent encore inconnue de nous-même. Je pense que c’est pour cela qu’il y a un désir de la mettre en forme. Le désir de comprendre, de saisir, d’appréhender cette émotion et tout ce qu’elle induit en nous.
Qui plus est, il y a le plaisir et la séduction dans l’acte de peindre, le plaisir de voir et de faire qui oriente forcément nos choix de formes et de couleurs, qui les oriente malgré notre volonté. Un tableau révèle toujours un peu nos croyances (et celles de notre époque), nos valeurs et surtout nos désirs, nos fantasmes, ce qui nous plait, nous séduit et nous excite qu’on le veuille ou pas. 

Le corps féminin a souvent été illustré, dans l’histoire de la peinture, par des artistes qui étaient des hommes. Beaucoup de vos toiles comportent des corps de femmes. Comment percevez-vous la représentation du corps féminin par une femme, en comparaison à celle réalisée par des artistes masculins tout au long de l’histoire ?

Comme je l’ai dit avant j’ai toujours aimé les visages et les corps nus. Les corps de femmes et ceux d’hommes. En fait mon propre corps en soi même ne m’intéresse pas, ce qui m’intéresse c’est son extériorité, en quoi d’ailleurs il m’échappe. Et le corps des autres m’inspire pour ce qu’il exprime et dévoile. J’aime le dévoilement au sens philosophique et métaphysique et c’est pour cela que j’aime tant le portrait et le nu.

Là où je me distancie le plus d’un certain type de nu féminin fait par des hommes, c’est que le corps doit exprimer sa propre sensualité de l’intérieur et n’est pas un pur objet d’excitation sensuelle ou sexuelle.
C’est toujours un corps qui parle et qui donne à voir ce dont il parle. C’est pour cela que mes nus sont d’abord existentiels et ensuite ils peuvent se vouloir érotiques au sens où ils évoquent et parfois provoquent le désir. Mais ce n’est pas l’intention première. Le point de départ est une sorte de narration existentielle.

La vraie question serait plutôt :  Est-ce que je peins les nus masculins comme les hommes peignent le nu féminin ? … C’est difficile de répondre car il faudrait que je sache si créer une représentation d’un homme nu provoque une excitation purement sensuelle en moi et que c’est bien ce que je donne à voir dans l’œuvre. C’est une question que je me pose régulièrement et je crois que parfois avec certains modèles c’est le cas, mais pas toujours et pas de façon claire.

L’abstraction fait aussi partie intégrante de vos œuvres. Pensez-vous que l’abstraction peut exprimer des concepts ou des émotions que le réalisme ne pourrait pas capturer ?

Je ne dirai pas que l’abstraction peut plus que le réalisme mais que l’abstraction permet d’exacerber certains aspects. Par exemple, elle permet plus facilement et immédiatement de représenter certaines passions, c’est le cas de la caricature que je conçois comme une forme d’abstraction. Elle permet aussi de dégager certaines grandes lignes du visible, en simplifiant par exemple un corps, un visage ou plus encore un paysage.  Le réel, quand on regarde de près est très riche, multiple, foisonnant. L’abstraction est donc nécessaire et salvatrice pour ne pas se perdre et surtout ne pas perdre son spectateur.

Pour finir, l’abstraction permet aussi de mieux donner à voir ce que c’est que dessiner, extraire et abstraire, penser avec des lignes, des formes, etc. 

Si je prends de la hauteur et regarde votre parcours, je décèle des styles parfois très différents, ainsi les séries Pop Time, Arabesques et Extime sont distinctes les unes des autres mais elles gardent une unicité. On sait que c’est du Caroline Guth serais-je tenté de dire. Comment abordez-vous le passage d’une série à une autre ? Est-ce instinctif ou méthodique ?

C’est plus instinctif que méthodique et c’est lié au sujet du tableau, à ce que je veux donner à voir au moment où je conçois cette série. Disons que je fais un peu comme Nicolas Poussin, lorsqu’il préconisait d’adapter la forme au sujet. La théorie des modes de Poussin selon laquelle l’art de la peinture réside dans l’emploi savant des moyens propres à l’artiste pour qu’ils soient en accord avec le sujet et l’émotion à exprimer.
On veut trop souvent ramener un artiste à un style, un mode, le même peu importe le sujet qu’il traite or cela me semble à la fois réducteur et artificiel. Un artiste n’est pas une marque mais une expression du monde, de ce que cela fait de vivre, d’exister dans un lieu, une époque et au milieu d’autres êtres.

Le critique d’art Laurent Danchin disait que l’imagination était de la mémoire que l’on restitue dans une forme singulière. Il me semble que l’on retrouve, dans votre tableau Des Profondeurs, ces questions liées à la mémoire et à l’identité. Pensez-vous que cette notion de mémoire se retrouve dans vos autres créations 

Oui tout à fait, ce tableau en particulier parle d’une mémoire intime, une mémoire du sang et des origines. Mais la mémoire apparait toujours à travers le souvenir des œuvres du passé, des œuvres que nous avons pu côtoyer enfant, que nous côtoyons dans les musées, dans les livres. L’histoire de l’art forme une mémoire collective de ce qu’a pu être et ce que devient l’art. Une histoire de pure mémoire qui ne signifie ni un progrès ni un dépassement mais la réinvention constante de manières de faire et parfois de voir.

Donc oui, la mémoire parcourt toutes mes œuvres et à plusieurs niveaux : histoire de l’art, mémoire collective, histoire personnelle et filiale, mémoire intime.

Nous l’avons vu plus haut, vous avez toujours baigné dans un environnement artistique et l’on peut retrouver des clins d’œil à des maîtres ou des époques de l’histoire de l’art dans certaines de vos œuvres (je pense notamment à l’âme occidentale). Que signifie le mot héritage pour vous ?

Il n’y a rien sans héritage, qu’il soit mémoriel, visuel ou collectif. Nous naissons dans un monde d’images et de valeurs, un monde de mots et de lois dont nous héritons et qui nous font advenir. Que nous en ayons conscience ou pas. À cette question je ne peux m’empêcher de penser à Frantz Fanon qui avait une conscience aiguë du fait que c’est à partir d’une certaine conception de l’homme hérité des Lumières qu’il a pu penser l’injustice et la monstruosité de la pensée coloniale. Et cette belle phrase «  Le Noir qui veut blanchir sa race est aussi malheureux que celui qui prêche la haine du Blanc ». On ne pense jamais seul et jamais à partir de rien. Pour vivre bien, il faut commencer par savoir d’où l’on vient et l’accepter sans ressentiment ni haine, sans fatalité et repliement. Et c’est le sujet de ce tableau, les profondeurs, l’objet de votre précédente question.

Vous êtes aussi réalisatrice et productrice de courts-métrages où votre univers pictural se retrouve à l’écran. Qu’est-ce qui vous motive à aller au-delà de la toile ? 

J’aime toutes les dimensions du visible. Je suis une voyeuriste pathologique, qu’il s’agisse de l’image fixe que l’on parcourt à l’image en mouvement qui nous happe et que l’on suit. Il me parait donc naturel de passer de la peinture à la photographie et à la vidéo. Et peut-être prochainement à une autre forme encore d’image et de narration par l’image.

Quels sont vos projets en cours ?

Pour le moment, je travaille depuis quelques semaines sur un projet avec un écrivain belge. C’est confidentiel pour l’instant. Je prépare également un tableau et un court métrage à partir d’Artemisia Gentileschi et de ses allégories de la peinture. Et je termine également quelques portraits suite à ma série de tableaux « l’écheveau du temps » exposée en juin à la Galerie Étienne de Causans rue de Seine à Paris.

Où pouvons-nous voir vos œuvres ?

Actuellement dans mon atelier à Montmartre en attendant ma prochaine exposition en 2025 à Bordeaux !

Que pouvons-nous vous souhaiter pour la suite ?

Continuer à explorer tous les formes et recoins du visible …