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Une brève Histoire de l’art

janvier 29th, 2022

Qu’est-ce que l’art ? Nul besoin de tourner autour du pot : une définition unanime n’existe pas. Il y a autant de réponses à cette question qu’il y a d’individus. «Quel chef d’œuvre !», « Que c’est laid ! », « Comment peut-on appeler ça de l’art ? », « Cette peinture est truffée de symboles », « C’était un génie ! ». Des réactions épidermiques aux analyses académiques, l’art nous touche à des degrés différents parce que nous avons, chacun, une histoire singulière remplie d’expériences uniques, de faits de vie individuels et de ressentis. Mettez cent personnes devant La Grande Vague de Hokusai et vous aurez cent individualités qui réagissent différemment à l’œuvre. Écrire cela est une banalité qui a son importance quand il s’agit d’art puisque nos différences montrent à quel point il n’y a pas qu’une seule et unique porte d’entrée pour regarder une œuvre. 😉

L’article qui suit n’a pas la prétention d’égaler celui de spécialistes mais de donner une vue généraliste depuis les débuts de l’art jusqu’à nos jours. Il m’a fallu faire des choix quant au contenu, vous ne retrouverez pas Léonard de Vinci à qui j’avais déjà dédié un article ni de Jérôme Bosch ou Rembrandt mais d’autres artistes qui ont aussi influencé leur époque et qui continuent de trouver un certain écho de nos jours.

L’art préhistorique

Il faut remonter le temps afin de trouver les premières traces d’art préhistorique. La plus ancienne serait la représentation d’une scène de chasse sur la paroi d’une grotte sur l’île des Célèbes (Indonésie). D’après les techniques de datation, cette peinture rupestre aurait été réalisée il y a 44 000 ans. Même si des milliers d’années ont altéré cette œuvre, on peut déjà distinguer clairement des mains sur la gauche ainsi que des cochons sauvages.

Première œuvre d’art pictural sur l’île de Sulawesi (Indonésie)

Un autre exemple d’art préhistorique se trouve en France. Il s’agit des peintures de la grotte de Lascaux. Elles auraient été réalisées Il y a plus de 21 000 ans et montrent à quel point l’Homme de l’époque glaciaire avait déjà un sens aigu de la représentation puisque les animaux que l’on peut voir à Lascaux sont non seulement facilement reconnaissables mais certains sont aussi en couleur. Alors pourquoi les hommes ont-ils dessiné des animaux sur les parfois? L’hypothèse la plus vraisemblable est que les chasseurs de cette époque conférait un pouvoir magique à la peinture. Dessiner leurs proies dans un endroit sacré leur permettait d’attirer, du moins le croyaient-ils, la chance et l’abondance quand ils devaient chasser. La symbolique de l’animal chez certains peuples primitifs est d’autant plus forte qu’ils pensaient que tel ou tel animal était une personnification fabuleuse de leur propre tribu. Cela explique nombre d’évocations animalières que l’on retrouve dans les masques, les danses et autres rites. Nous aurions tort d’être condescendant envers ces peuples qui ont tout simplement inventé le symbole. Au fond, qu’y a-t-il de tellement différent entre une peinture rupestre et une fresque de street-art si ce n’est la technique ? 🎨

Une partie de la grotte de Lascaux avec les peintures rupestres au niveau du plafond (Adibu456 – CC BY-ND 2.0)

Le site officiel de l’archéologie française vous permet une immersion virtuelle dans cette grotte: https://archeologie.culture.fr/lascaux/fr/visiter-grotte-lascaux/salle-taureaux

L’art égyptien

Vers l’an 3000 avant notre ère est apparue une civilisation qui continue de passionner les férus d’Histoire et d’Art. Que cela soit au travers de leurs bâtiments, de leurs statues emblématiques ou de leurs peintures, les égyptiens ont tous une uniformité autoritaire. Peu importe le support utilisé, nous savons presque instantanément qu’il s’agit d’art égyptien. Nous retrouvons dans chaque œuvre une régularité dans le mouvement et une série de lois qui étaient enseignées à chaque artiste : Le teint des hommes devait être peint de manière plus sombre que celui des femmes, la représentation des dieux était strictement codifiée. En outre, chaque artiste devait respecté les règles calligraphiques symbolisées par des hiéroglyphes. L’art égyptien a une telle identité que l’on peut aisément avancer qu’il s’agit du premier style réellement construit en tant que tel. À notre époque on appellerait cela … une charte graphique !

Reproduction du Livre des morts (1285 avant notre ère) où l’on voit l’ordonnancement des hiéroglyphes, des postures, des dieux ainsi que de l’utilisation stricte des couleurs.

L’art grec (ou héllénistique)

Une des premières révolutions modernes de l’art intervient dans la Grèce antique. Les artistes grecs avaient, certes, hérité du savoir-faire égyptien mais ils ont commencé à faire travailler leur imagination individuelle en se détachant du carcan égyptien. Une des activités artistiques où cette évolution est clairement visible est la sculpture. L’artiste grec étudie avec précision l’anatomie du corps et arrive peu à peu à la traduire au niveau artistique. Le visage est de plus en plus ressemblant, le torse se bombe, les pieds deviennent réalistes, certains trouvent même le moyen de rehausser le coin des lèvres de leurs sculptures afin d’esquisser un sourire et donc, pour la première fois, d’apporter de l’émotion dans l’art.

Au fil des siècles les statues atteignent des niveaux de perfection jamais égalés. Le corps des sculptures grecques est idéalisé, il représente le sublime et permet aux citoyens de l’époque de viser un modèle de réussite absolu.

Sculpture en marbre représentant le mythe de Laocoon et de ses fils attaqués par des serpents – art grec (vers 40 avant notre ère).

Une autre invention que l’on doit à la civilisation grecque fut la création de trois styles architecturaux qui déterminaient les proportions, les formes et la décoration de toute partie construite en élévation. Loin d’être uniquement une ornementation de colonnes ces trois styles remplissaient un rôle structurel pour les édifices. Le style dorique fut le premier à voir le jour, on le reconnait aisément à ses colonnes simples mais massives telles celles du Parthénon. Le second est le style ionique qui s’inspire du dorique tout en l’affinant et en le décorant sur sa partie supérieure. Enfin le style corinthien a encore été un peu plus loin puisqu’il faisait la part belle à une décoration recherchée tout en volutes sur le thème du végétal.

Les trois ordres architecturaux de l’architecture grecque de l’hôtel d’Assézat (Frédéric Neupont, CC BY-SA 4.0 via Wikimedia Commons)

L’art romain

L’Histoire du monde a des ressorts qui se répètent presque inlassablement. Ainsi quand une civilisation tend à disparaître c’est parce qu’elle se fait bousculer par une autre. Ainsi disparu peu à peu la Grèce antique sous la domination romaine. Les fioritures idéalisées de l’art grec ont laissé la place à une recherche de réalisme et cela se voit sur les bustes des empereurs romains qui étaient une authentique représentation de ce qu’était le vrai visage des célèbres monarques. Il y avait dans la civilisation romaine une appétence pour le réel que l’on ne retrouve pas dans la Grèce antique. Il n’y a pas de hasard si l’aménagement de l’espace (route, ponts, aqueducs, amphithéâtres, etc.) pris une dimension résolument moderne depuis Rome.

Buste de Vespasien (1er siècle de notre ère) où l’on peut remarquer que les romains aimaient tirer le portrait de leurs empereurs … sans aucune flatterie.

L’art islamique

L’Orient, et plus spécialement l’Islam, a donné lieu à une créativité artistique différente. À l’origine il était interdit de représenter l’être humain en image, et cette interdiction était d’autant plus forte quand il s’agissait de Dieu (Allah), une règle qui est toujours d’applications de nos jours. Cette loi iconoclaste n’a pourtant pas enterré l’instinct créatif de l’Homme, ainsi qui ne connait pas l’arabesque ? Ce motif oriental représenté sous forme de mosaïque et qui décore de nombreux palais dont celui de l’Alhambra. Ce travail subtil sur les lignes courbes, que l’on retrouve aussi sur les tapis d’orient, laisse à penser que la dentelle (créée des siècles plus tard) trouve son origine du côté de l’arabesque. 😉

Arabesques du palais de l’Alhambra à Grenade (Espagne).

L’art chinois

Encore un peu plus en Orient se trouve une autre civilisation qui travailla l’art sous la perspective de la courbe. Il s’agit de la Chine. Depuis leur travail du bronze jusqu’aux estampes, il est rare d’y trouver une ligne stricte et droite. Pourquoi ? Parce que la culture asiatique avait un rapport étroit avec la nature et que dans cette dernière tout est sinueux. De chaque partie d’un être vivant jusqu’aux paysages, la courbure était partout. Cette observation se retrouve sur ce dessin daté du XIIème siècle où l’on peut remarquer cet attrait pour le mouvement arrondi.

^{_{Détail d’une œuvre chinoise (encre et couleurs sur soie) extraite d’un rouleau impérial portant le nom de « Conseils de la monitrice aux dames du Palais ». British Museum.}}

L’art médiéval

Revenons en Europe où l’art, pendant la période médiévale, prit une nouvelle direction. En effet, le christianisme était bien installé sur le Vieux Continent et les représentations religieuses fleurissaient un peu partout. C’est à travers celles-ci que l’on a pu se rendre compte que l’artiste médiéval s’émancipait du carcan de ses prédécesseurs égyptiens, grecs ou romains. L’artiste du Moyen Âge apportait une touche réellement personnelle à l’œuvre qu’il créait. Il n’est pas rare de voir des sujets similaires traités de manière fort différente dans la peinture de cette époque comme on peut le voir dans les deux tableaux ci-dessous qui représentent la même scène de Saint-Mathieu et tout deux peint à quelques années d’intervalle.

La peinture de gauche respecte à la lettre le modèle imaginé de Saint-Matthieu tandis que celle de droite s’attache au ressenti d’un homme extrêmement concentré sur sa tâche d’écriture. L’œuvre de gauche est exposée au musée d’Histoire de l’art de Vienne tandis que celle de droite est issue de la bibliothèque municipale d’Epernay.

L’art gothique

À l’opposé de l’Orient qui a longtemps ancré l’art dans la permanence sans y apporter de bouleversement majeur, l’art en Occident a toujours été chamboulé par de nouvelles techniques, de nouveaux styles et de nouvelles idées. Un des plus célèbres est sans doute l’art gothique. Il fut une avancée majeure en matière d’architecture puisque la construction des voutes à l’aide de d’arcs croisés en diagonale allait devenir la norme et permettre d’alléger le poids qui reposait sur les murs porteurs. Les façades des grands édifices de l’époque allaient enfin pouvoir s’ouvrir pour y faire pénétrer la lumière à l’aide de larges vitraux. Il s’agit là d’un changement radical dans la manière de concevoir les bâtiments car c’est grâce aux découvertes liées à l’art gothique que d’autres révolutions architecturales pourront avoir lieu plus tard. Après tout, nos serres actuelles respectent les mêmes principes techniques que ceux de l’art gothique.

Cathédrale Notre-Dame d’Amiens classée au patrimoine mondial de l’UNESCO (© Raimond Spekking – CC BY-SA 4.0)

La Renaissance

Difficile de résumer ce courant artistique tant il est riche en découvertes et en artistes qui ont marqué l’Histoire de l’Art mais en fait pourquoi ce nom de Renaissance ? Au XVème siècle quand on voulait faire l’éloge d’un artiste on disait que ces œuvres étaient dignes des grands maîtres anciens. Ainsi, faire référence au passé glorieux était un gage de qualité artistique et c’est sur ce socle que s’est bâti cette énergie créatrice afin de retrouver le prestige d’antan. Le moins que l’on puisse dire est que les artistes de la Renaissance ne se sont pas seulement inspiré d’œuvres du passé puisqu’ils les ont transformés pour faire une production inédite. Les artistes aspiraient tellement à une renaissance dans les arts qu’ils se sont tournés vers la nature, les sciences et l’étude de l’Antiquité afin d’atteindre leur but.

Deux écoles furent au premier plan de cette révolution artistique : les peintres flamands et les italiens. Pour les premiers ce qui importait était le rendu d’une réalité, la représentation de belles matières, des fleurs, des bijoux ou encore des tissus. Un des maîtres en la matière fut Jan Van Eyck à qui l’on doit l’invention de la peinture à l’huile et la réalisation de ce tableau où tout est pensé afin de saisir l’instant. Van Eyck poussa son travail de réalisme jusqu’à peindre le reflet du miroir en arrière plan.

Scène représentant le marchand italien Giovanni Arnolfini et sa femme venu aux Pays-Bas pour affaires. (Jean Van Eyck – 1434 – huile sur bois – National Gallery de Londres)

Du côté italien, les points communs des artistes de la Renaissance étaient les contours audacieux des sujets représentés en peinture, une perspective nette tout en exprimant la beauté du corps humain. Le point de départ de ce mouvement, comme ce fut souvent le cas dans l’Histoire de l’art prend racine en architecture avec Brunelleschi qui dépassa les techniques de l’art gothique en réussissant à construire des voûtes immenses comme ce fut le cas pour la cathédrale de Florence. Il apporta une beauté nouvelle et inédite pour les édifices qui allait faire autorité durant cette époque. Du côté de la sculpture, il y eut Donatello qui créa des statues réalistes comme celle du Saint-Georges. Solidement ancré sur sa base, son visage semble guetter l’approche du monstre et la posture de son corps est prête au combat. Il y a une impression de vie et de mouvement qui se dégage de cette sculpture sans pour autant nuire à la clarté du contour, ce qui était un fait nouveau dans le travail de la pierre.

Sculpture en marbre de Saint-Georges réalisée par Donatello vers 1415-1416 (Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons)

Au niveau de la peinture, un des artistes illustrant le mieux la Renaissance est Sandro Botticelli qui réalisa un des tableaux les plus connus de l’Histoire est La Naissance de Vénus où l’on peut admirer la déesse sortie de la mer, de bout sur une coquille. Elle est poussée vers le rivage par deux divinités du vent, sous une pluie de rose tandis qu’une nymphe l’accueille avec un manteau. L’harmonie de ce tableau est parfaite puisque le peintre s’est inspiré des techniques de ses prédécesseurs pour mieux s’en détacher et créer une œuvre où la grâce est omniprésente, l’utilisation de l’espace entièrement équilibré et l’imaginaire épatant. Botticelli ira même par prendre une forme de liberté audacieuse pour arriver à ses fins. Il suffit de regarder l’étrange longueur du cou de Vénus, ses épaules tombantes ou la surprenante proportion de son bras gauche pour se rendre compte que ce qui comptait pour le peintre italien était avant tout de susciter des émotions.

La Naissance de Vénus peint par Sandro Botticelli vers 1485 (peinture exposée à la galerie des Offices – Florence)

L’art baroque

S’il y a bien un mouvement artistique que l’on pourrait qualifier de généreux, c’est le baroque. Les œuvres de cette période ont un supplément de lumière, de figures, de mouvements et d’espace au point de frôler l’exubérance. La richesse des compositions baroques avait pour but de surprendre le spectateur et nombre d’artistes utilisaient l’allégorie afin d’étonner leur audience. Ils pouvaient, par exemple, faire passer un message tout utilisant les codes de la mythologie. Ce fut le cas de Pierre-Paul Rubens avec son tableau Allégorie sur les bénédictions de la paix qui aurait été offert à Charles 1er alors que ce dernier était prêt à entrer en guerre avec l’Espagne. On y voit les bienfaits de la paix incarnée par Minerve, la déesse de la sagesse alors que la Mars et la furie de la guerre sont repoussés à l’arrière plan. Il saute aux yeux que cette composition comporte moult détails ainsi que l’utilisation de couleurs éclatantes mais aucun de ses sujets n’a de formes idéales. Rubens n’avait que faire de la beauté antique, ses personnages sont représentés tels qu’il les voyait dans son esprit.

Pierre-Paul Rubens, Allégorie de la bénédiction de la paix, huile sur toile de 1629. Actuellement exposé à la galerie nationale de Londres.

Le romantisme

Cette période artistique s’étend de la fin du 18ème siècle jusqu’aux années 1850 et apporte, à nouveau, une rupture dans la création artistique. Avant le Romantisme, les sujets abordés étaient souvent répétitifs : la mythologie, les scènes en rapport avec la Bible ou les héros d’autrefois représentaient la plupart des œuvres de l’Histoire de la peinture. La tradition vola en éclats et les artistes se mirent à peindre des sujets d’actualité. Les artistes se détachèrent du poids du passé afin d’entrer dans l’ère d’une certaine liberté. Ainsi n’importe quel sujet qui suscitait l’intérêt du peintre pouvait maintenant se retrouver sur une toile. Un des peintres les plus représentatifs de ce mouvement est certainement l’espagnol Francisco Goya, à qui l’on doit cette gravure hallucinante. Elle nous montre un géant assis sur l’horizon. Sa taille démesurée est soulignée par l’échelle minuscule du paysage où les maisons sont réduites à des tâches infimes. Cette œuvre fantastique montre que les artistes pouvaient désormais exprimer une intériorité vraiment personnelle.

Le Géant ou le Colosse. Gravure à l’eau-forte réalisée par Francisco Goya en 1814.

L’impressionnisme

Monet, Manet, Van Gogh, Renoir, Cézanne, … qui ne connait pas ces superstars de la peinture qui sont devenus autant de noms de marque, assurant le succès pour n’importe quelle exposition temporaire. Les impressionnistes ont fait un travail considérable sur la perception des couleurs. Ils se sont aperçus que n’importe quel élément que nous regardions pouvait avoir d’innombrables coloris différents. Un des exemples les plus connus est certainement la série des peintures de la cathédrale de Rouen effectuées par Monet. On y voit le même monument peint à des moments différents de la journée. Le bâtiment pouvait autant rougeoyer que devenir diaphane. L’artiste français a prouvé que la lumière pouvait avoir d’incroyables effets sur la nature et les objets. Ce travail sur la conception de la couleur est devenue le symbole de tous les peintres impressionnistes.

À gauche le portique Ouest de la Cathédrale de Rouen peint à la fin d’une journée ensoleillée. À droite le même angle de vue mais peint lors d’une matinée brumeuse (Claude Monet – 1893/1894)

Du cubisme à l’art abstrait

Les débuts du XXème siècle virent l’art pictural se transformer à nouveau. Braque et Picasso tentèrent de représenter le réel à l’aide de formes géométriques sans pour autant nuire à la compréhension d’une peinture. L’œuvre de Picasso sobrement intitulée Violon et Raisons démontre que le spectateur n’a nul besoin de voir une imitation de la réalité mais juste d’en comprendre les codes. Même si le violon est destructuré, on peut aisément reconnaitre le manche, le chevalet, les ouïes ainsi que la forme caractéristique de cet instrument de musique. Le cubisme avait pourtant une limite : Il fallait que les motifs représentés soient familiers (une bouteille, une guitare, un visage) et donc, connus de tous.

Violon et raisins. Huile sur toile réalisée par Pablo Picasso en 1912 et exposée au MoMA de New-York

Cet éclatement dans la représentation des objets allaient donner à une succession d’abstractions de plus en plus poussées. On peut notamment penser à Kandinsky, Pollock et Mondrian mais aussi à Kasimir Malevitch qui poussa le concept en rejetant tout élément figuratif dans ses peintures. En réalisant un travail sur l’équilibre qu’il peut y avoir entre les constructions géométriques et les couleurs primaires, l’artiste dépouille ses œuvres à l’extrême. Peut-être était-ce une provocation contre le bon goût, les normes sociales de l’époque et les conventions artistiques? En tout cas, il préfigure une question qui ne cessera plus d’être posée : Qu’est-ce que l’art ?

Cercle noir sur fond blanc. Dessiné en 1915 et peint en 1924 par Kasimir Malevitch. Exposé au musée russe de Saint-Pétersbourg.

L’art informel

Enfin, cet article aurait pu se terminer par des mouvements tels que le Surréalisme ou le Pop art mais mon regard s’arrêtera sur un artiste qui est lié à l’art abstrait et qui est l’un des fondateurs de la peinture informelle. Ce courant naît sous l’occupation pendant la deuxième guerre mondiale où les artistes sont contraints de ne plus représenter la réalité de manière explicite. Ils sautent sur l’occasion pour s’éloigner des éléments qui ont fait le succès du cubisme : les formes, les proportions, l’équilibre, etc. Ils créent des œuvres basées sur la spontanéité dans le geste mais utilisent la couleur comme une matière à travailler telle une pâte. L’un des artistes les plus représentatifs de ce mouvement est Pierre Soulages (1919-2022), à qui l’on doit les œuvres Outrenoir. Elles semblent rappeler l’art primitif tout en s’inscrivant dans notre époque.

Les œuvres de Soulages n’étant pas dans le domaine public, il ne m’est pas possible d’afficher une photo mais vous pouvez évidemment vous rendre sur le site officiel afin de voir un aperçu … même si la photographie n’est pas encore capable de rendre possible l’effet de la matière sur nos cinq sens. 😉

À bientôt
Le nom de la rose | Umberto Eco

octobre 24th, 2021
Le ciel, à l’ordinaire si clair, était devenu une voûte laiteuse qui stationnait au-dessus de milliers de foyers. Il ne fallait pas être devin pour prédire la suite. Le vent se lèverait, la luminosité baisserait à vue d’œil tandis que la chape nuageuse se remplirait d’un gris pesant avant de déverser son verdict. Il y eut une goutte. Puis une deuxième. Elle explosa bruyamment sur le sol. En l’espace d’un clignement de paupière ce fut le déluge. Il plut comme vache qui pisse des jours durant. La terre, autrefois friable, n’était plus qu’une soupe brunâtre avec laquelle il faudrait composer.

Y avait-il encore des personnes dehors de leur plein gré malgré ce temps? J’allumais le petit écran, la réponse fut immédiate. Des visages marqués par l’effort et des vélos crottés se faisaient rincer le dos depuis le matin dans des conditions climatiques dantesques. Au bout de six heures de pédalage dans la gadoue, le premier de ces baroudeurs à roues arriva et s’écroula dès la ligne d’arrivée franchie. Il semblait être dans un monde parallèle, se roulant dans l’herbe entre fatigue extrême et crise de joie incontrôlable. S’il avait décidé de faire tant de sacrifices depuis tant d’années, c’était pour gagner ce genre de courses et cette fois-ci il avait atteint son but !

Tout se mérite. Rien ne tombe gratuitement du ciel. Il faut mettre du cœur à l’ouvrage et remettre l’ouvrage sur le métier souvent pour arriver à ses fins. Ce cycliste en est un exemple facilement identifiable parce que télévisuel mais tous, nous fournissons un travail dans l’espoir d’atteindre un objectif. Sans cela nous passons à côté de l’essentiel. La lecture et l’analyse du livre le plus célèbre d’Umberto Eco, Le nom de la rose (1) fut, toute proportion gardée, de cet ordre-là. Ce roman épique se mérite. Il ne se laisse pas apprivoiser facilement. Ce n’est qu’une fois la dernière page lue qu’il révèle toute sa dimension. 🔎

L’Histoire

En 1327. L’Inquisition bat son plein. On réprime à tour de bras de manière arbitraire qui ne rentre pas dans les bonnes grâces de l’Église Catholique et c’est dans ces conditions que l’ex-inquisiteur Guillaume de Baskerville et Adso, son secrétaire, débarquent dans une abbaye du nord de l’Italie. Réputé pour sa neutralité, ce monastère semble avoir ses propres problèmes. Un moine a été tué à l’intérieur même de son enceinte. Guillaume et Adso sont chargés de mener l’enquête jusqu’à ce que d’autres meurtres surgissent finissant par faire tomber le masque de tout un chacun.

L’écriture

Malgré son contenu fictionnel, ce roman est une réelle immersion dans le Moyen Âge. Les différents personnages s’expriment comme ils l’auraient fait à pareille époque. Rien n’est laissé au hasard dans l’écriture d’Umberto Eco, et c’est, sans doute, ce qui peut rebuter le lecteur à l’entame du livre. Ainsi, l’écrivain italien n’hésite pas à utiliser le latin pour nous plonger dans la vie monacale médiévale. Il utilise aussi parfois des mots qui semblent disparus de notre langue. Cela donne un cachet authentique au roman et finit par faciliter l’imagination. D’ailleurs, il y a fort à parier que les détails de l’histoire (hormis l’enquête policière) se rapprochent fortement de ce qu’était la réalité à cette époque. Pourquoi? Parce qu’Umberto Eco était avant tout un expert de la période du Moyen Âge. Il indiqua dans une de ces nombreuses interviews que ce qu’il avait le plus apprécié lors de l’écriture de son célèbre roman était le long travail de recherche historique qui s’étalait sur … plusieurs années.

Un mélange des genres

Le nom de la rose est un succès littéraire planétaire puisqu’il est traduit dans d’innombrables langues et vendu à plus de cinquante millions d’exemplaires. Une des clés de cette consécration réside dans le fait que ce roman mélange les genres avec une rare précision. Il s’agit évidemment d’un œuvre historique qui montre à voir les mécanismes de l’Inquisition avec force détails:

« Et c’est là le mal que fait au peuple chrétien l’hérésie, qui rend obscures les idées et pousse chacun à devenir inquisiteur pour son propre intérêt. Et puis ce que je vis à l’abbaye m’a fait penser que souvent ce sont les inquisiteurs qui créent les hérétiques. Non seulement pour les imaginer quand ils n’existent pas, mais parce qu’ils répriment avec une telle véhémence la parole hérétique que nombreux sont ceux qui l’attrapent par haine des inquisiteurs. Vraiment, un cercle conçu par le démon, que Dieu nous en garde. » (2)

Mais il s’agit aussi d’un roman policier où l’auteur italien reprend les rouages classiques du polar et coche toutes les cases du genre: meurtres, trahisons, révélations, mystères, suspense, déductions, etc. Le lecteur est ainsi amené à soupçonner tout le monde et à uniquement obtenir la réponse à la fin du roman. Les personnages des deux enquêteurs ont aussi une épaisseur particulière qui fait que l’on s’identifie à eux malgré le fait que l’histoire se déroule en 1327. Le duo Guillaume de Baskerville et Adso n’est d’ailleurs pas sans rappeler celui de Sherlock Holmes et Watson. Le clin d’oeil à l’oeuvre d’Arthur Conan Doyle saute aux yeux (cf. Le chien de Baskerville) mais il y a aussi ces touches d’humour qui accompagnent le récit malgré la gravité des faits:
```
« - Donc, vous n'avez pas qu'une seule réponse à vos questions ?
- Adso, si tel était le cas, j'enseignerais la théologie à Paris.
- A Paris, ils ont toujours la vraie réponse ?
- Jamais, dit Guillaume, mais ils sont très sûrs de leurs erreurs. »
```
Entre philosophie et symboles

Un autre angle pour aborder ce livre est aussi celui de la philosophie. L’Église a longtemps eu du mal avec le rire et cette thématique revient sans cesse dans le livre. Le rire était qualifié de diabolique à l’époque moyenâgeuse, il était une des nombreuses armes de l’Inquisition pour qualifier untel d’hérétique. L’hilarité était suspecte car elle se basait sur un constat : puisqu’il n’y avait pas d’écrits relatant que Jésus avait ri, alors le rire devait être mauvais. Pas folichonne l’époque donc. 😉

Le nom de la rose est aussi truffé de symboles. Quand Adso est pris de peur plusieurs fois en regardant les gravures du portail de l’abbaye, c’est bel et bien de symboles dont il s’agit, à l’instar d’une peinture de Jérôme Bosch où les êtres maléfiques ont un fort pouvoir symbolique. La peur par les mythes et légendes était un excellent moyen d’asservir une population déjà acculée par l’Inquisition. On retrouve, dans le roman, une nuée d’autres allégories telles que celles liées au chiffre sept, la signification de la rose ou encore l’autodafé des livres. Umberto Eco était un expert en sémiotique, c’est tout naturellement qu’il jouait avec les signes et leurs codifications. Et ce, pour notre plus grand plaisir.

^{Jérome Bosch – Le jardin des délices – 1504}

Le nom de la Rose est un classique qui se mérite. Il ne se laisse pas approcher vulgairement comme ces œuvres que l’on lit rapidement pour les oublier plus rapidement. Ce roman est tout autre, il nécessite une patience afin d’asseoir une histoire d’un autre âge. L’excuse de la fiction a donné l’occasion à Umberto Eco d’écrire un chef d’œuvre qui parvient à mettre Aristote, l’Inquisition, l’homosexualité, l’amour, les errements de l’être humain, l’humour finaud, la vulgarité, et d’en faire un livre homogène où tout fait sens.

N .B. Pour ceux qui sont intéressés par l’écrivain italien (et qui ne vivent pas en France car la vidéo est malheureusement bloquée dans ce pays pour des raisons de droit d’auteur), voici un documentaire d’une cinquantaine de minutes où l’on voit Umberto Eco se confier au sujet des livres mais pas que. 😉

(1) ECO U., Le nom de la rose, Éditions Grasset & Fasquelle, 1982.

(2) Ibid., P.59
Le fiancé du feu | Eva Dézulier

avril 4th, 2021

Imperméable. Adjectif issu du latin impermeabilis. Se dit de toute chose qui ne se laisse point traverser par des fluides. Il existe un tas de matières reconnues pour cette qualité, à commencer par le verre ou la tasse que nous utilisons chaque jour afin d’envoyer au fond de notre gosier quantité d’eau, café, thé, vin, et autres liquides alcoolisés qui tamponnent la gorge. Sans une matière imperméable, nous en serions toujours au stade de la coupelle formée par nos mains afin de nous abreuver tant bien que mal, en renversant la moitié à côté, sur nos godasses. Merci bien ! Avouons-le, l’imperméabilité de certains objets nous a rendu la vie plus confortable.

Je ne sais pas vous mais dans certaines circonstances mon cerveau devient lui-aussi imperméable comme du verre. Déversez dessus des millions d’injonctions du genre “Tu dois absolument écouter cette dernière musique à la mode” ou “Quoi?! Tu n’as pas encore regardé la nouvelle série sur Groflix ?” Et mon peu de matière grise se contracte pour devenir aussi étanche qu’un scaphandre. Il semblerait que les deux hémisphères de ma caboche soient imperméables aux sirènes d’une modernité imposée. Il me revient souvent à l’esprit ces mots de Jean Guitton : être dans le vent, c’est avoir le destin des feuilles mortes. On se rassure comme on peut 😉

À contrario, quand le vent du Sud m’a soufflé l’existence du roman Le Fiancé du feu (1) jusqu’en Belgique, j’ai eu, de suite, une bonne appréhension. Il y a de ces œuvres qui, avant même de les avoir lues, ont déjà commencé à me raconter leur petite musique. Sans doute le sujet du livre me rappelait-il déjà des souvenirs, ceux de mon grand-père italien après avoir débarqué dans les mines wallonnes. Le moins que l’on puisse dire est que Le Fiancé du feu ne m’a pas laissé de marbre. Analyse.

L’histoire

1943. L’Espagne franquiste. Juan et Luis vivent dans un internat où la rudesse côtoie de maigres instants de joie. La vie ne leur fait pas de cadeaux jusqu’au jour où ils sont tous deux appelés dans le bureau du directeur de l’établissement : un homme a été mandaté par leur mère afin que les jeunes enfants traversent les Pyrénées et la rejoignent, enfin. Ce nouveau départ est l’occasion de suivre les deux frères à travers leur existence d’immigrés dans une France populaire aujourd’hui disparue. Les décennies se succéderont sans pour autant arriver à effacer les événements qui les ont, un jour, conduits à survivre dans un orphelinat franquiste.

Une écriture cinématographique

Telle une caméra, l’écriture d’Eva Dézulier nous plonge dans une atmosphère particulière. Il ne lui faut pas enchaîner les tours et détours pour que l’on se retrouve au milieu d’un internat espagnol des années 40, dans une fête de famille d’immigrés ou encore dans une voiture qui dévale un ravin. Les mots sont des images qui se bousculent et alimentent l’imaginaire du lecteur au fil des pages, et ça l’auteure l’a bien compris. La narration est réaliste avec une touche cinématographique qui fait que des actions, à premières vues ordinaires, peuvent s s’imprimer sur la rétine avec une facilité déconcertante et devenir extraordinaires :

“ Le soleil se déverse sur ma tête et je ne sais plus ce que je pense. Dans la cour, les deux garçons ont fini de chanter. À chaque fois je cligne des paupières, des taches de lumières dansent sur le paysage comme des avions en papier d’aluminium. Les mûriers sauvages du vallon brillent comme s’ils allaient s’enflammer. (2) “

Psychologie des personnages

Un autre point fort du roman est indéniablement la construction des personnages. L’auteure française nous laisse voir l’intériorité de chacun des protagonistes, leurs failles, leurs désirs, leurs émois sans tomber dans la caricature. Les origines hispaniques des Juan, Luis, Pili, Soledad sont ainsi traitées avec réalisme tout en gardant assez de mystère pour le déroulement de l’intrigue. Il suffit de fermer les yeux pour imaginer qui étaient ces personnages doux-amers. Comme un air de Pagnol qui aurait été, trop tôt, abîmé par la vie.

L’immersion dans cette France d’une famille d’immigrés espagnols a aussi valeur de témoignage puisqu’elle nous fait voyager dans des scènes de vie concrètes qui m’ont rappelé mes origines italiennes. Sans doute faut-il voir autant de similitudes entre les espagnols et les italiens arrivés dans le Nord de l’Europe après la deuxième guerre mondiale puisque les grands repas de famille décrits dans le roman, le cercle des tantes mégères dont on se méfie de la moindre rumeur qu’elles pourraient lancer sur un “qu’en dira-t-on” et la religion catholique qui est là, sous-jacente au moindre événement, sont autant de détails vraisemblables contés dans Le fiancé du feu et qui nous emmènent dans ces communautés de personnes déracinées.

Conclusion

Le fiancé du feu est un premier roman qui a du bagout. Avec un style sensible mais qui n’esquive pas une certaine gravité, Eva Dézulier traite le sujet des relations familiales et de la transmission mémorielle à travers une histoire personnelle qui nous touche de près. Cette œuvre polyphonique se déroule sur plusieurs générations sans s’éparpiller et arrive à nous captiver d’entrée de jeu par une narration efficace. Dès le roman ouvert, impossible de ne pas tourner les pages afin de savoir où l’intrigue nous mènera. Si la cible était d’atteindre le cœur du lecteur, je peux dire que le pari est réussi. 😉

À bientôt,

N. B. : pour celles et ceux qui veulent en savoir plus sur l’immigration espagnole en France voici un article qui en retrace les grandes étapes.

(1) DÉZULIER E., Le fiancé du feu, Éditions du Jasmin, 2021.

(2) Ibid., P.11
Le roman de monsieur de Molière | Mikhaïl Boulgakov

avril 25th, 2020

Moscou. 1933. Dans un appartement quelconque, un dramaturge empêché vient d’accoucher d’une pièce de théâtre. Les dizaines de feuilles, noircies de mots, jonchent le sol. C’est qu’il y a eu complication. Il a fallu trouver le juste milieu entre l’imaginaire débridé de l’auteur et l’âpre réalité de l’union soviétique. Mais il est trop tard pour revenir en arrière dès que la conscience s’en est mêlée. Les personnages sont nés sur des morceaux de papier et ne demandent plus qu’une chose: s’incarner dans la peau de comédiens.

L’auteur a conscience que cette pièce, comme les précédentes, sera frappée par la censure. Tout au plus lui laissera-t-on le droit de faire une ou deux représentations pour la forme. Histoire de créer une illusion culturelle au cœur de l’URSS stalinienne. Mais le dramaturge russe n’en a cure, il aura beau être muselé, cela ne l’empêchera pas d’écrire et de créer des œuvres en lien avec les planches. J’en veux pour preuve son livre sobrement intitulé Le roman de monsieur de Molière (1) et vous propose une petite analyse de ce livre écrit par un certain … Mikhaïl Boulgakov.

La biographie romancée

Dès l’entame du récit, nous sommes mis devant un fait accompli. Il s’agit d’une biographie romancée sur la vie du célèbre dramaturge français. Cette manière de procéder permet à Boulgakov de prendre les habits du conteur et de faire naître, devant nos yeux de lecteur, Jean-Baptiste Poquelin dit Molière. Le ton utilisé et les mots choisis nous immergent avec légèreté dans l’histoire de cet homme sans nous demander de connaissances spécifiques. Cette manœuvre a le mérite de nous apprendre des faits sur Molière en évitant l’écueil des détails trop techniques qui nuiraient à la lecture:

“ Sur la scène se jouait une farce d’une insolence débridée, qui n’avait rien d’innocent: c’était la farce des mœurs et des coutumes de Paris d’alors, et ceux qui vivaient ces mœurs et créaient ces coutumes se trouvaient là, dans les loges et sur la scène. Le parterre riait aux éclats et pouvait les désigner du doigt. Il avait reconnu les grands seigneurs des salons, que l’ancien tapissier couvrait ainsi publiquement de ridicule. (2) “

Boulgakov passe en revue la vie de Molière à travers le prisme de ses pièces de théâtre. Nous apprenons dans quelles conditions étaient écrites chacune de ses comédies mais aussi comment se passèrent les représentations. Le dramaturge français a commencé à Paris avec sa troupe de l’Illustre Théâtre et s’est royalement cassé la gueule au point de devoir quitter la capitale. Suite à cette déconvenue, il parcourra les régions de France pendant plus d’une décennie. Il n’aura de cesse de monter sur les planches avec sa bande de comédiens afin d’y jouer les classiques de l’époque, sans le succès escompté. C’est aussi durant cette période qu’il écrira ses premières pièces teintées de comédie. A ce titre Boulgakov, semble-t-il, est arrivé à cerner ce qui fit défaut chez le jeune Molière qui s’entêtait à jouer des tragédies alors que son génie résidait dans la comédie et la farce. Dès qu’il en prendra conscience, son nom sera sur toutes les lèvres et arrivera jusqu’aux oreilles du Tout-Paris.

Molière reviendra alors dans la capitale française et ses pièces feront rire aux éclats ou grincer des dents mais plus jamais elles ne laisseront indifférentes comme c’était le cas au début de sa carrière. Ses pièces étaient tellement osées pour l’époque — à se moquer de la petite bourgeoisie parisienne et de l’Eglise — qu’elles flirtaient à chaque fois avec la censure. Le travail du dramaturge avait la chance d’être apprécié par Louis XIV en personne. Et c’est sans doute ce qui lui valu de rester en haut de l’affiche alors que ses détracteurs l’attendaient au tournant dans le but d’interdire ses pièces. Ce qui arriva parfois! A l’instar des œuvres théâtrales de Boulgakov qui furent quasi toutes censurées par le régime communiste.

L’orviétan

Le roman de monsieur de Molière est aussi l’occasion de faire connaissance avec les mœurs du XVIIème siècle. Nous y apprenons, entre autre, l’existence de l’orviétan, ce médicament présenté sous forme de remède miracle mais qui était en fait l’œuvre d’arnaqueurs sans scrupules dont Molière s’est moqué dans sa pièce l’Amour médecin:

“ Les baraques du Pont-Neuf accueillaient des médecins ambulants, des arracheurs de dents, des charlatans apothicaires qui vendaient aux gens des panacées qui guérissaient de tous les maux. Pour attirer l’attention sur leurs boutiques, il s’abouchaient avec des saltimbanques de rue, parfois avec de véritables acteurs qui avaient déjà pris pied sur les planches des théâtres et l’on assistait à de véritables représentations à la gloire des médications miraculeuses. […] Tout Paris parle d’un homme aussi extraordinaire que mystérieux, un certain Christophe Contugi. Il a engagé toute une troupe et donne sur une estrade des spectacles de polichinelles, grâce auxquels il vend une bouillie médicinale qui guérit tous les maux, et qu’il a baptisé Orviétan. (3) ”

En conclusion

Le roman de monsieur de Molière est un livre écrit par le passionné de théâtre qu’était Mikhaïl Boulgakov. Il permet aux novices (dont je fais partie) de rentrer dans l’œuvre du célèbre comédien français et de découvrir des éléments historiques de la vie courante durant le XVIIème siècle. Certes, l’auteur russe n’a pas, encore, le degré d’écriture de son œuvre phare Le Maître et Marguerite mais cette biographie se laisse lire avec un certain plaisir 😉

(1) BOULGAKOV M., Le roman de monsieur de Molière, Editions Gallimard, 1993.

(2) Ibid., P.132-133

(3) Ibid., P.28-29